Микалоюс Константинас Чюрлёнис Симфоническая поэма «Море»

Микалоюс Константинас Чюрлёнис Симфоническая поэма «Море» История музыкальной культуры знает имена творцов, которые одинаково хорошо проявили себя в двух и даже нескольких областях художественного творчества. Микалоюс Константинас Чюрлёнис оставил человечеству ценное наследие как в музыке, так и в живописи. За свою короткую жизнь он создал более 200 музыкальных и около 300 живописных работ, став значительной и оригинальной фигурой в европейской культуре рубежа XIX–XX веков. Родившийся в маленьком литовском городке, Чюрлёнис уже с ранних лет проявил замечательные музыкальные способности. В 14-летнем возрасте он записался в оркестровую школу. Там он учился играть на флейте, работал в оркестре и делал первые шаги в сочинении музыки. Чюрлёнис был прилежным учеником, и у него оставалось свободное время для походов по живописным окрестностям местечка, где он 1. Разучите и исполните начальный фрагмент «Румынской рапсодии №2». 2. С чем можно сравнить характер музыки «Румынской рапсодии №2» Дж. Энеску? 3. Найдите несколько изображений памятников архитектуры. С какими музыкальными произведениями их можно сравнить? М. K. Чюрлёнис (1875–1911) М. К. Чюрлёнис. Соната пирамид Рапсодия – это музыкальное произведение, состоящее из разных мелодий, преимущественно народных. 99 не уставал любоваться красотой природы и делать зарисовки. После окончания оркестровой школы Чюрлёнис был направлен Михаилом Огинским для продолжения занятий в Варшавский музыкальный институт. Окончив его в 1899 году, Чюрлёнис ощутил необходимость углубить свои знания в области музыки и, получив материальную поддержку, отправился для продолжения занятий в Лейпцигскую консерваторию. Здесь он изучает композицию и ин струментовку у лучших профессоров и заявляет о себе как автор произведений обширных музыкальных форм. В этот период им написаны струнный квартет, увертюра, симфоническая фантазия, несколько инструментальных пьес, большое количество канонов и фуг для фортепьяно. Чюрлёнис много читает, часто посещает залы художественных музеев, интересуется трудами великих писателей, философов, эстетиков. Все это определило в высшей степени оригинальность стиля его музыки, в котором безграничная фантазия сочетается с лаконизмом выражения мысли. Все были уверены, что Чюрлёнис станет композитором, перед которым откроются широкие горизонты, если он посвятит себя музыкальному творчеству. Оставалось сделать только один решительный шаг. Но этот шаг не был сделан, ибо другое пристрастие Чюрлёниса – изобразительное искусство – окончательно вытеснило музыку. С 1907 года Чюрлёнис посвятил свой гений живописи, которой занимался до конца жизни.

Джордже Энеску «Румынская рапсодия №2»

Джордже Энеску «Румынская рапсодия №2» Если 1-ю рапсодию румынского композитора Джордже Энеску можно сравнить с картиной широкого народного гуляния, то 2-я рапсодия связана с образом знаменитого памятника архитектуры – Нямецкого Монастыря. Композитор «выстраивает» крепость звуками, создающими атмосферу легендарной старины. Первый мотив подобен известному зачину сказки: «В некотором царстве, в некотором государстве...». Нямецкий монас тырь – место, где Штефан чел Маре нашел убежище после кровопролитной битвы при Валя Албэ. По мере развертывания произведения, возрастает темп звучания оркестра, включаются все новые инструменты. Слушая сочинение, ощущаешь себя в старой крепости, где царит дух великого господаря.

Модест Петрович Мусоргский Сюита для фортепьяно «Картинки с выставки»

Модест Петрович Мусоргский Сюита для фортепьяно «Картинки с выставки» Существуют различные типы взаимовлияния музыки и изобразительного искусства. Классическим примером являются «Картинки с выставки» Модеста Петровича Мусоргского, где посредством музыки переданы впечатления от десяти картин с выставки художника Виктора Гартмана, современника композитора. Мусоргский объединил эти музыкальные картины в сюиту для фортепьяно, оркестрованную впоследствии французским композитором Морисом Равелем. Связующий элемент в сюите – тема «Прогулки», олицетворяющая образ композитора, переходящего от одной картины к другой. Особенно выделяются две пьесы сюиты. Одна – «Балет невылупившихся птенцов» – вдохновлена живописной картиной, изображающей балетные костюмы в виде яичной скорлупы. Звучание в высоком регистре и стремительный темп воспроизводят звонкий писк цыплят, их легкие забавные шажки. Прообразом другой пьесы послужило величие картины Гартмана «Богатырские ворота» с изображением городских ворот Киева, древней столицы Киевской Руси, в виде гигантского шлема – символа государственной власти. Восхищенный этой картиной, Мусоргский создал яркое произведение, прославляющее мощь и величие Киевской Руси.

«Звучащие» картины живописи

«Звучащие» картины живописи Взаимосвязь музыки с изобразительным искусством проявляется поразному. В ряде случаев, звучащая музыка способна вызвать у нас яркие зрительные представления: картины природы, портреты известных героев, реальные эпизоды из жизни, исторические и культурные события и т. д. В свою очередь, конкретные произведения живописи, скульптуры, архитектуры бывают связаны со звучанием музыки, нередко – с определенным произведением. Одним из ярких примеров такой взаимосвязи является картина великого русского художника-пейзажи- И. И. Левитан. Вечерний звон Мужественно, с движением Piu mosso 95 ста Исаака Ильича Левитана «Вечерний звон». В этом шедевре русского живописного искусства «слышны» звуки колоколов православного храма во время вечернего богослужения. Картину справедливо можно назвать «звучащей». Впрочем, само название картины Левитана прямо свидетельствует об этом. Итак, когда вы будете всматриваться в эту картину художника, наверняка в вашем сознании прозвучит широко-известная русская народная песня с тем же названием – «Вечерний звон».

ександр Порфирьевич Бородин Симфония №2 «Богатырская»

Аександр Порфирьевич Бородин Симфония №2 «Богатырская» Выдающимися представителями мирового искусства создано большое количество замечательных произведений литературы, музыки и изобразительного искусства, близких или сходных по отображаемой тематике. Например, в русском искусстве важное место занимает богатырская тема. Среди авторов, воплотивших в своих творениях образы сильных, мужественных, могучих и, в то же время, добрых людей – богатырей, можно назвать прежде всего имена русского композитора Александра Порфирьевича Бородина и художника-живописца Виктора Михайловича Васнецова. А.П. Бородин создал 2-ю симфонию, известную под названием «Богатырская», а В.М. Васнецовым была написана одна из наилучших картин русской живописи «Три богатыря». В этих произведениях искусства разными художественными средствами выражены идеи патриотизма, национальной гордости за славное историческое прошлое русского народа. «Богатырская симфония» стоит в одном ряду с лучшими произведениями мировой музыкальной классики

Николай Андреевич Римский-Корсаков Симфоническая сюита «Шехеразада»

Николай Андреевич Римский-Корсаков Симфоническая сюита «Шехеразада» Будучи курсантом Морского кадетского корпуса (1862–1865 гг.), Н.А. Римский-Корсаков совершил кругосветное плавание. Впечатления от этого путешествия композитор выразил в нескольких своих сочинениях, среди которых наибольшей популярностью пользуются опера «Садко» и симфоническая сюита «Шехеразада». Красивейшая музыка четырехчастной сюиты «Шехеразада» описывает сюжеты из арабских сказок «Тысяча и одна ночь». Сюита начинается грозной музыкальной фразой, которую играют тромбоны, труба, контрабасы и другие инструменты оркестра. Это первая тема пролога сюиты, рисующая облик беспощадного царя Шахрияра. Когда оркестр умолкает, появляется тема Шехеразады, представленная нежным, чистым, немного печальным тембром солирующей скрипки. Так происходит завязка сюжетной нити произведения. Музыка переносит слушателя на просторы южного моря. Спокойное плавание Синдбадаморехода омрачено внезапно разыгравшейся бурей. Громадные, страшные волны одна за другой набрасываются на корабль путешественника. Борьба с разъяренными волнами рисуется с помощью всего арсенала звуковых средств оркестра. Но разбушевавшаяся стихия царствует недолго. Море успокаивается, и корабль Синдбада продолжает свой путь по просторам моря, сверкающего в солнечных лучах. Картины моря музыкальные средства, как повторение звуков одной высоты, быстрый темп, динамические оттенки, тембр струнных инструментов, особенно виолончелей. 1. Внимательно прослушайте симфоническую картину «Полет шмеля». 2. Охарактеризуйте музыкальные средства, использованные композитором для создания картины: мелодию, ритм, тембр, темп, динамические оттенки. 3. Нарисуйте «полет шмеля», используя ваши впечатления от прослушанного. 4. Как вы понимаете слова о том, что Римский-Корсаков был «великим мастером оркестровой живописи»? Иллюстрация к сказкам «Тысяча и одна ночь» 91 во время бури, созданные композитором Римским-Корсаковым, по силе выразительности можно сравнить со знаменитыми полотнами художника Ивана Константиновича Айвазовского.

Николай Андреевич Римский-Корсаков Симфоническая картина «Полет шмеля» из оперы «Сказка о царе Салтане»

Николай Андреевич Римский-Корсаков Симфоническая картина «Полет шмеля» из оперы «Сказка о царе Салтане» Николай Андреевич Римский-Корсаков был мастером оркестровых красок. Композитор Сергей Рахманинов отмечал, что партитуры Римского-Корсакова не оставляют никаких сомнений в том, какую «метеорологическую картину они призваны передать. Когда метет, снежинки как будто кружатся и бьются в стекло, но скрипки затихают, как только солнце появится на небосводе, и все инструменты сверкают вместе с ним почти в каждом такте; когда речь идет о воде, в оркестре вздымаются и пляшут волны... Звук становится холодным, стеклянным, когда описывается тихая морозная ночь с небом, усыпанным звездами. Это был великий мастер оркестровой живописи…». Оперы-сказки, сочиненные Римским-Корсаковым, открывают перед слушателем неведомый, пленительный мир фантастики и чудес. Музыка оперы «Сказка о царе Салтане» вдохновила художника Михаила Врубеля на создание картины «Царевна-Лебедь», которая изображает сказочную героиню с удивительно нежным и грустным лицом. В опере «Сказка о царе Салтане» Римский-Корсаков создает изумительную музыкальную картину, рисующую полет шмеля. Для этого композитор использует такие Н. А. Римский-Корсаков (1844–1908) Михаил Врубель. Царевна-Лебедь из «Сказки о царе Салтане» 90 Николай Андреевич Римский-Корсаков Симфоническая сюита «Шехеразада» Будучи курсантом Морского кадетского корпуса (1862–1865 гг.), Н.А. Римский-Корсаков совершил кругосветное плавание. Впечатления от этого путешествия композитор выразил в нескольких своих сочинениях, среди которых наибольшей популярностью пользуются опера «Садко» и симфоническая сюита «Шехеразада». Красивейшая музыка четырехчастной сюиты «Шехеразада» описывает сюжеты из арабских сказок «Тысяча и одна ночь». Сюита начинается грозной музыкальной фразой, которую играют тромбоны, труба, контрабасы и другие инструменты оркестра. Это первая тема пролога сюиты, рисующая облик беспощадного царя Шахрияра. Когда оркестр умолкает, появляется тема Шехеразады, представленная нежным, чистым, немного печальным тембром солирующей скрипки. Так происходит завязка сюжетной нити произведения. Музыка переносит слушателя на просторы южного моря. Спокойное плавание Синдбадаморехода омрачено внезапно разыгравшейся бурей. Громадные, страшные волны одна за другой набрасываются на корабль путешественника. Борьба с разъяренными волнами рисуется с помощью всего арсенала звуковых средств оркестра. Но разбушевавшаяся стихия царствует недолго. Море успокаивается, и корабль Синдбада продолжает свой путь по просторам моря, сверкающего в солнечных лучах. Картины моря музыкальные средства, как повторение звуков одной высоты, быстрый темп, динамические оттенки, тембр струнных инструментов, особенно виолончелей.

Национальный (народный) костюм

Национальный (народный) костюм В своей работе «La gura unei peșteri de comori» («У входа в сокровищницу») Народный артист Республики Молдова Владимир Курбет, неутомимый собиратель фольклора и народных обычаев, пишет, что румынский народный костюм создан умом, душой и умелыми руками наших предков, которые носили его с гордостью и достоинством, хранили как святыню и передавали из поколения в поколение как истинную драгоценность. Национальный костюм – важный элемент культуры края. Исследуя его, можно пролить свет на многие важные научные проблемы: восстановить определенные события истории, судить о географических условиях, ареале распространения, роде занятий и образе жизни народа. По типу и характерным деталям народного костюма, в Республике Молдова различаются четыре региона: северный, центральный, южный и восточный. Народные обряды и обычаи – такие, как плугушор, капра, соркова, кэлушарий, Русалии и др., – органически связаны с народными песнями и танцами. Большой вклад в развитие традиционного искусства вносят этнофольклорные коллективы республики, деятельность которых в последние два десятилетия приобрела широкий размах. Одним из таких коллективов является кишинёвская этнофольклорная группа «Moștenitorii» («Наследники») (художественный руководитель Валериу Кипер, музыкальный руководитель Дан Визитиу), которая многое делает для того, чтобы народные костюмы, обряды, песни и танцы наших предков сохранились для будущих поколений. Артисты, исполняющие народные песни и танцы, одеваются в великолепные народные Народная мастерица за ткацким станком, вырабатывающим ткань для национальных костюмов Этнофольклорная группа «Moștenitorii» 89 костюмы, которые носят с достоинством и гордостью, осознавая вклад своих предков в создание и обогащение мирового культурного наследия.

Народное декоративное искусство и музыкальный фольклор

Народное декоративное искусство и музыкальный фольклор Люди разных стран и исторических эпох всегда стремились украсить свое жилище и предметы быта. Деятельность человека по украшению различных предметов художественными деталями называется декоративным искусством. Те, кто занимаются декоративным искусством, делятся на две группы: – люди, для которых декоративное искусство стало профессиональной деятельностью; – люди, для которых декоративное искусство является не основной профессией, а занятием, приносящим эстетическое наслаждение. Из обоих групп выделяются исключительно одаренные люди, которые составляют особую категорию в сфере декоративно-прикладного искусства – они называются народными мастерами. Изделиями народных мастеров, ближе всего соприкасающимися с музыкальным фольклором, считаются: а) народная одежда с ее специфической отделкой; б) народные музыкальные инструменты, которые, благодаря проявлению творческого духа народных мастеров, являются настоящими произведениями искусства.

Музыкальное искусство в союзе с искусством цветов и линий

Музыкальное искусство в союзе с искусством цветов и линий Музыка располагает целым арсеналом художественных средств выражения – таких, как мелодия, ритм, лад, динамика, тембр, регистр, темп. Она познается в процессе слушания, когда звучат человеческие голоса или музыкальные инструменты. Изобразительное искусство (живопись, скульптура, архитектура) отображает мир с помощью других художественных средств: цвета, линий, точек, пятен, форм, объема и др., которые воспринимаются зрением. При всех отличиях, одновременное историческое развитие изобразительного искусства и музыки выявило много общего между ними. Гениальный скульптор эпохи Возрождения Леонардо да Винчи утверждал, что музыка и живопись – сестры. С давних времен музыка становилась сюжетом художественных произведений. Например, на настенных росписях монастырей на севере Молдовы изображены ангелы, играющие на бучуме, и псаломщик Давид, который аккомпанирует себе на кобзе. На живописных полотнах (в частности, в натюрмортах) изображены музыканты, певцы, танцоры, эпизоды концертов или музыкальные инструменты. Некоторые художники используют в качестве названий своих произведений музыкальные термины, например: «Фуга», «Соната», «Реквием», «Адажио», «Аккорд» и др. Оба вида искусства пользуются общими понятиями: композиция, форма, стиль, колорит, ритм и др. Например, музыкальная композиция – это совокупность элементов, которые составляют музыкальное произведение; живописная композиция – это расположение элементов изображений из произведения. Музыка обладает способностью вызывать в нашем сознании самые разные зрительные представления о личностях, событиях, фактах, природных явлениях и т. д. В свою очередь, произведения изобразительного искусства, ассоциируясь с музыкой, дают возможность лучше понять идею и эмоциональное содержание музыкального произведения.

Современные европейские танцы

Современные европейские танцы Эта категория современных танцев, называемая «стандарт», составила основу учебных программ студий и школ современных и спортивных танцев Европы и всего мира. Освоение европейских танцев, как правило, начинают с медленного вальса, затем переходят к танго и медленному фокстроту. В «стандарт» также входят квикстеп (быстрый фокстрот) и венский вальс. Эти танцы настолько сложны для исполнения, что требуют от танцора специальной подготовки. Поэтому для того, чтобы серьезно заниматься танцами, надо пройти предварительные курсы, организуемые региональными организациями хореографов или международными ассоциациями современного танца. Занятия современными танцами невозможны без систематических тренировок, без упорного труда. Физические усилия танцоров сравнимы с затратой сил фигуристов на катке или теннисистов на корте. Танец как форма выражения ощущений, стремлений, чувств, к какому жанру бы он не принадлежал, дает счастливую возможность общаться с окружающим нас миром с помощью особого языка, который дарит красоту и эстетическую радость.

Рок-н-ролл

Рок-н-ролл. В первой половине ХХ века в США зародился новый танцевальный стиль – рок-н-ролл, для которого характерны сальто, пируэты и другие акробатические элементы, перемещения партнеров в разные стороны по отношению друг к другу и др. Танец очень скоро стал популярным в школах современного танца всего мира. Этот стиль включен в качестве обязательного в программы международных конкурсов современного танца.

Кантри

Кантри – современный танец в стиле американской кантри (сельской) – музыки, очень популярный как в Северной Америке, так и в странах Европы. Танцующие кантри выстраиваются в одну линию, что позволяет им свободно двигаться в ритме музыки, подстраиваясь под соседа.

Самба

Самба была открыта в Бразилии португальскими моряками и вскоре распространилась по всей Европе. Когда мы произносим слово «самба», в нашем воображении возникает феерия бразильского карнавала, на котором повсюду танцуют этот танец с его зажигательными движениями и разно-цветными костюмами. В музыке самбы звучат ритмы, пришедшие из далекой Юго-Западной Африки. Открыв для себя самбу, европейцы сделали ее современным бальным танцем. Проникли в Европу и традиции бразильских карнавалов, которые периодически проводятся в Италии – в Риме и Венеции.

Ламбада

Ламбада, появившаяся в 1987 году в Бразилии, мгновенно покорила весь мир, чему способствовало творчество французской группы «Caoma». В основе танцевального стиля ламбада лежат этнические движения индейского племени каримбо из Амазонии, а также хореографические элементы ряда современных танцев (таких, как матчиш и др). Ламбада характеризуется очень быстрыми движениями и энергичным покачиванием бедрами.

Петр Ильич Чайковский Балет «Лебединое озеро»

Петр Ильич Чайковский Балет «Лебединое озеро» Великий русский композитор Петр Ильич Чайковский написал замечательную музыку к балетам, герои и события которых принадлежат к миру сказочной фантастики: «Лебединое озеро» (1876), «Спящая красавица» (1889), «Щелкунчик» (1892). Балет «Лебединое озеро» признан одним из самых знаменитых романтических балетов в мировой музыке. Все три балета на музыку Чайковского были поставлены блестящим французским танцовщиком и балетмейстером Мариусом Петипа, который на протяжении 40 лет возглавлял балетную труппу Санкт-Петербурга. Балетные критики справедливо отмечают сходство между оперным и балетным спектаклем, с той разницей, что номера в балете предназначены не для певцов, а для танцовщиков. Балетная партитура содержит номера, аналогичные оперным ариям, дуэтам и ансамблям.

Балет

Балет Балет представляет собой вид музыкально-драматического искусства, в котором соединены оркестровая музыка, танец, мимика и пластические движения тела. В основе балета лежит либретто, написанное по какому-нибудь литературному произведению. Балетный спектакль состоит из актов и картин. Драматическое и эмоциональное содержание балета определяет музыка. Балетному жанру отдали дань всемирно известные композиторы – такие как Петр Ильич Чайковский, Сергей Прокофьев, Игорь Стравинский, Арам Хачатурян, а в румынской музыке – Еуджен Дога. 

Болеро

Болеро Еще один широко распространенный бальный танец – болеро. Этот танец испанского происхождения исполняется в неторопливом ритме. В его аккомпанементе большую роль играют кастаньеты. Ритмические и мелодические особенности болеро привлекли внимание французского композитора Мориса Равеля. Его творчество вызывает восхищение не только лиризмом, но и своей отточенностью фактуры и оркестровки. Равель является автором известного сочинения для симфонического оркестра «Болеро», написанного в 1928 году. В основе его лежат две темы, которые многократно повторяются при постепенном нарастании звучности (крещендо). Оригинальность пьесы состоит в том, что она построена на поочередном вступлении инструментов оркестра на фоне постоянного звучания малого барабана, исполняющего один и тот же ритм.

Сиртаки

Сиртаки Особенная ритмичность и специфическое звучание характеризуют греческие танцы. Из всего их множества приведем лишь один типичный пример танца – сиртаки.

Танго

Танго Из-за океана, из Аргентины, пришло к нам танго, которое буквально покорило европейские салоны. Характер этого пленительного танца определяют специфический прерывистый ритм и захватывающая мелодия. Как музыкальный жанр, танго существует во всевозможных видах: инструментальном, вокальном, вокально-инструментальном. Многие композиторы ХХ века использовали ритмы и специфические интонации танго в произведениях академического стиля.

Вальс

Вальс Вальс (от нем. walzen – «кружиться») возник как городской танец во второй половине XVIII века и получил широкое распространение во всем мире. Основными особенностями вальса являются: трехдольный метр, умеренный темп, певучесть и выразительность мелодической линии. Начиная с XIX века, было создано большое количество вальсов, многие из которых стали знаменитыми. Среди тех, кто довел вальс до совершенства, были композиторы: Иоганн Штраус (отец), Йозеф Ланнер, Иоганн Штраус (сын), названный «королем» вальсов. Снискав огромную популярность, этот грациозный танец проник в музыку оперы и оперетты. После этого многие композиторы стали писать вальсы специально для разных инструментов и оркестра. Широко известны во всем мире фортепьянные вальсы Фридерика Шопена, оркестровые – Карла Марии фон Вебера, Иоганнеса Брамса, Шарля Гуно, Игоря Стравинского, Арама Хачатуряна и др. В румынской музыкальной культуре вальс представлен в творчестве композиторов: Иосифа Ивановича, Еуджена Доги, Георге Мустя.

Джордже Энеску «Румынская рапсодия №1»

Джордже Энеску «Румынская рапсодия №1» Мелодии народных танцев – неиссякаемый источник вдохновения для композиторов. Великолепным примером тому является «Румынская рапсодия №1» Джордже Энеску – симфоническое произведение, в котором воссоздается картина широкого народного гуляния. Это музыкальное произведение – воплощение национального духа румын. 1. Прослушайте «Румынскую рапсодию №1» Дж. Энеску. Мелодии каких народных танцев звучат в произведении? Оживленно, весело 69 Музыка бальных танцев Менуэт Наряду с народными, существуют танцы, называемые салонными или бальными. Такие танцы исполняются на всевозможных торжествах и различаются по своим движениям, стилю исполнения, формам приветствия и т. д. Одним из бальных танцев, пользовавшихся огромным успехом в аристократических салонах, был менуэт – французский танец народного происхождения, распространенный с конца XVII по начало XIX веков. Слушая менуэт, сочиненный композитором Жаном-Батистом Люлли, король Франции Людовик XIV был настолько восхищен красотой мелодии и грациозностью танцевальных движений, что потребовал, чтобы этот танец как можно чаще исполнялся при дворе. Композиторы Жан Филипп Рамо и Кристоф Виллибальд Глюк ввели менуэт в оперный и балетный спектакли, Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель сделали его частью старинной сюиты, а Франц Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт использовали в своих симфониях. Известнейший менуэт принадлежит перу Людвига ван Бетховена.

Русские народные хороводные и плясовые песни

В русском музыкальном народном творчестве занимают видное место песни, сопровождаемые движением, пляской, игрой. Среди них – хороводные и плясовые песни. В старину у восточных славян хороводные песни входили в календарный земледельческий песенный цикл, являясь разновидностью весенних песен. Позднее хороводы и хороводные песни выделились из календарного весеннего цикла и их стали водить на протяжении почти всего теплого времени года, а по большим праздникам даже и зимой. По характеру движений хороводы можно разделить на две основные группы: круговые и некруговые хороводы-игры. Круговые хороводы в большинстве случаев сопровождаются драматизированным разыгрыванием сюжета песни. Для некруговых хороводов-игр характерно разделение участников на две группы и движение, образно называемое «стенка на стенку». По характеру музыкально-поэтических образов и типам напевов хороводные песни можно разделить на медленные лирические и быстрые – комедийно-бытовые, шуточные. Медленные хороводные песни близки протяжным лирическим песням. Широкому и плавному напеву соответствует такое же плавное, неторопливое движение участников хоровода. Для быстрых хороводных песен, как и для плясовых, характерен оживленный и даже весьма быстрый темп. Быстрые, ритмически четкие напевы шуточных хороводных песен часто сопровождаются припляской, притоптыванием, иногда и прихлопыванием в ладоши участников хоровода. Молодая пара в национальных костюмах 67 Наряду с хороводной песней другим широко распространенным песенным жанром является плясовая песня, исполняемая под пляску. «Русская народная хореография характеризуется богатством и разнообразием танцевальных движений, собственно танцевального шага, поступи, жестов, фигур и других элементов мужской и женской пляски. В подвижных и стремительных русских плясках «вприсядку» и с подскоком выражаются такие национальные качества русского характера, как сила, мужество, смелое удальство и – наряду с этим – горделивое сознание собственного достоинства» – отмечает Т.В. Попова в своей работе «Русское музыкальное народное творчество».

Хора

Хора представляет собой групповой танец, исполняемый под характерные для этого жанра мелодии. Хора «Вечный цветок», существующая также в виде песни со словами Григоре Виеру, исполняется в неторопливом движении на 6/8 и танцуется в широком кругу. Размер 6/8 содержит в себе 6 долей, каждая из которых равна одной восьмой. Схема дирижирования на 6/8: 

Семейно-обрядовые танцы

Свадебные танцы Свадьба у румын представляет собой театрализованное представление большого размаха, в котором традиционные обычаи неотделимы от специфических песен и танцев. Для каждого эпизода свадебного обряда народ создал мелодии и танцы бесподобной красоты. Среди них особое значение имеют: «Joc mare şi cîntecul miresei», «De trei ori în jurul mesei», «Hora miresei», «Hora mare», «Jocul zestrei», «Jocul vorniceilor», «Hora nunilor», «Sîrba nunţii», «Colacul», «Jocul găinii», «Închinatul paharului», «Hora la masa mare», «Vivat», «Jocul paharelor» и др.

Кэлушары

Кэлушары Непревзойденный танец кэлушаров, как и старинная хора, является одним из древнейших театральных представлений у румын. Характер танца различается в зависимости от зоны бытования. В каждой местности, в каждом селе, где этот танец сохранился до наших дней, он отличается своими индивидуальными особенностями. Для танца кэлушаров характерны специфические движения, подскоки и акробатические прыжки. Танец сопровождается выкриками (strigături), которые произносятся танцующими с большим удовольствием и мастерством.

Музыка обрядовых танцев

Календарно-обрядовые танцы Папаруда Танцевальные мелодии бывают с текстом и без текста. В зависимости от характера танца, танцевальные мелодии подразделяются на обрядовые и внеобрядовые. К календарно-обрядовым танцам относятся такие, как «Сapra», «Căluţul», «Ursul», «Paparuda», «Căluşarii» и др. Существуют также семейнообрядовые танцы, главным образом свадебные: «Dansul miresei», «Zestrea», «Joc mare», «Dansul nunilor» и др. «Папаруда» представляет собой старинный обряд, исполняемый детьми во время летней засухи для того, чтобы вызвать дождь. «Папаруда» имеет и ряд местных названий: папаругэ, пэпэругэ, папалугэ, пэпэлугэ, бэбэруцэ, мэмэруцэ, додолае и т. д. Этот сельскохозяйственный обряд распространен и у других народов. Вот как описывает обряд «Папаруда» Дмитрий Кантемир в «Описании Молдовы»: «Летом, когда посевам грозит засуха, крестьяне одевают маленькую девочку лет десяти в сорочку из листьев и трав. Другие дети такого же Joc mare 57 1. Просольфеджируйте и разучите мелодию «Папаруды». 2. Напойте мелодию и исполните под нее танцевальные движения. Pa - pa - ru - dă, ru - dă, Vi - no de mă u - dă возраста следуют за ней, обходя окрестности с песнями и танцами; повсюду, куда они приходят, женщины обливают их холодной водой. Песня, которую они поют, звучит примерно так: „Пэпэлугэ! Полети в небо, открой небесные ворота, пошли оттуда дождь на землю, чтобы росли рожь, пшеница и просо!”»

Музыкальное искусство и искусство танца

 Искусство танца и искусство музыки имеют тысячелетнюю совместную историю. Танец – вид искусства, для которого характерны разнообразные ритмичные движения человеческого тела, выполняемые под музыку. Различаются несколько типов танцев: обрядовые, народные, бальные и др. В старину танцу и музыке приписывали магические свойства. Древняя музыка возникла как аккомпанемент к ритуальным танцам, которыми люди старались задобрить силы природы, ощущая себя бессильными перед ними. Первые свидетельства существования взаимосвязи между музыкой и танцем обнаружили археологи. На стенах пещер, где обитали первобытные люди, были найдены рисунки, изображавшие фигуры танцующих людей или животных. Наши предки еще задолго до того, как научились строить себе жилища, почувствовали необходимость выражать свои душевные состояния, выстукивая разные ритмы и напевая мелодии. У большинства народов мира до сих пор сохранились обрядовые танцы со специфическим музыкальным аккомпанементом. Хотя их практическое значение давно забыто, характерные элементы этих танцев можно найти во многих современных художественных произведениях. В далекое прошлое уходят корня ми и народные танцы и пляски с их музыкой, полной очарования: «Кама ринская», «Гопак», «Кэлушарий», «Дрэгайчеле», «Папаруделе», «Калоянул», бессмертная «Хора» и другие. Зажигательные мелодии народных танцев звучат в концертных залах, по радио и телевидению в исполнении профессиональных и любительских коллективов; их можно услышать в дни массовых праздников, на сельских гуляньях и т. д. Каждый народ имеет свои музыкально-хореографические традиции. Наиболее самобытные народные танцевальные мелодии преодолели национальные границы, войдя в сокровищТерпсихора – муза танца и музыки у древних греков Древний керамический сосуд под названием «Hora de la Frumușica» 55 ницу мировой культуры. Оригинальность ритмов и интонаций танцевальной музыки издавна привлекала внимание великих музыкантов всех стран. Нет в мире композитора, который не использовал бы их в своих произведениях, будь то инструментальная миниатюра, музыка для балета, оперная или симфоническая.

Мюзикл

Мюзикл На протяжении своей истории жанр оперы трансформировался, подчиняясь требованиям времени. Так, в XIX веке возникла новая форма музыкального спектакля с пением и танцами – мюзикл. Мюзикл – музыкально-сценическое произведение, часто комического характера, в котором сочетаются выразительные средства современной музыки, хореографии, оперетты и оперы. Жанр мюзикла широко представлен в творчестве американского композитора и дирижера Леонарда Бернстайна, автора известного мюзикла «Вестсайдская история». Огромной популярностью пользуется мюзикл американского композитора Ричарда Роджерса «Звуки музыки», текст которого написал Оскар Хаммерстайн, а либретто – Ховард Линдси и Рассел Крауз. Действие мюзикла «Звуки музыки» происходит в 30-е годы прошлого века. Молодая австрийская девушка Мария покидает стены монастыря, в котором воспитывалась, чтобы стать гувернанткой семерых детей морского капитана фон Траппа, оставшихся без матери. Мария стала обучать детей музыке, и ее усилия увенчались успехом: семейный ансамбль фон Трапп выиграл первый приз на Зальцбургском фестивале песни семейных династий.

Иоганн Штраус (сын) Оперетта «Летучая мышь»

Иоганн Штраус (сын) Оперетта «Летучая мышь» Одним из известнейших представителей музыкальной династии Штраусов был Иоганн Штраус (сын), за которым закрепилась слава «короля вальса». Иоганн Штраус является создателем так называемой танцевальной оперетты, построенной на ритмах вальса, польки, галопа. Ведущее место в его опереттах принадлежит вальсу. В 1874 году И. Штраус написал оперетту «Летучая мышь», признанную одним из лучших произведений этого жанра. В основу ее положена новелла «Новогодний вечер» Анри Мельяка и Людовика Галеви. Веселая и остроумная оперетта «Летучая мышь» поначалу не была оценена публикой, но постепенно приобрела огромную популярность. В «Летучей мыши» повествуется о новогоднем бале, о жителях Вены, собравшихся развлечься и развлечь других. Действие разворачивается в канун 1871 года в австрийском замке Вайнберг. Знаменитая оперетта «Летучая мышь» покоряет слушателя своими дивными мелодиями, танцевальной стихией, изобретательной оркестровкой и яркими музыкальными характеристиками персонажей. «Ария Адели» демонстрирует вокальный талант одной из героинь, которая мечтает стать опереточной актрисой.

Чиприан Порумбеску Оперетта «Новолуние» («Crai nou»)

Чиприан Порумбеску Оперетта «Новолуние» («Crai nou») Зарождение оперетты в Румынии связано с именем Чиприана Порумбеску. Его оперетта «Новолуние» («Crai nou») и сейчас пользуется популярностью среди любителей данного жанра. Написанное в феврале 1822 года, это произведение проложило оперетте путь на румынскую сцену. С тех пор оперетта является одним из наиболее почитаемых жанров румынской классической музыки. Музыковед Хория Станка писал о таланте Чиприана Порумбеску: «Музыка, написанная им к оперетте „Новолуние”, живая и очень милая, она свидетельствует о том, что он основательно изучил произведения современных композиторов: Оффенбаха, Штрауса, Зуппе и др. Очень красивы и эффектны хоры, приятное впечатление производят мелодичные сольные номера и дуэты оперетты…»

Оперетта

Оперетта (от итальянского operetta – маленькая опера) – театральное представление, сопровождаемое оркестром. Для оперетты характерно чередование музыкальных и танцевальных номеров с прозаическими диалогами, которые объединены между собой единой сюжетной линией. По сравнению с куплетами в водевиле, музыкальные номера оперетты более протяженны и весомы, но уступают оперным в смысле драматизма. В оперетте представлены все компоненты оперы, хотя здесь они более просты по содержанию и выдержаны в песенно-танцевальном духе. Кульминационным моментом каждой сцены является, как правило, популярный в данное время в данной стране танец, который во многом определяет атмосферу спектакля в целом. Оперетта, возникшая в 50-х годах XIX века во Франции, близка к жанрам легкой музыки. Ее назначение – развлекать публику. В историю музыки вошли такие крупные мастера жанра оперетты, как Ж. Оффенбах во Франции, И. Штраус (сын) в Австрии, И. Кальман в Венгрии, Ч. Порумбеску в Румынии, И. Дунаевский в России. 

Теодор Згуряну Опера «Дечебал»

Теодор Згуряну Опера «Дечебал» Композитор Теодор Згуряну вошел в историю национальной культуры как автор оригинальных музыкальных произведений. Творчество композитора, дирижера и педагога Теодора Згуряну насчитывает большое количество произведений разных жанров: 40 хоров a капелла; 20 монументальных сочинений для хора, солистов и симфонического оркестра; камерные вокальные и инструментальные пьесы и др. Историческая опера «Дечебал» Теодора Згуряну – одно из наиболее значительных произведений данного жанра в национальной музыке. Премьера оперы (в концертном исполнении) состоялась в сентябре 2002 года в рамках Международного фестиваля звезд оперы и балета «Приглашает Мария Биешу». Как отмечали критики и сама примадонна Мария Биешу, «…в национальной опере до сих пор не было ничего подобного».

Джоаккино Россини Опера «Севильский цирюльник»

Джоаккино Россини Опера «Севильский цирюльник» Итальянский оперный композитор Джоаккино Россини, прозванный «итальянским Моцартом», достиг необычайной славы при жизни. Известность ему принесли мелодии редкой красоты, которыми богато его творчество. Россини сочинял музыку с невероятной быстротой, создав за 17 лет 40 разнохарактерных опер. «Севильский цирюльник» – одна из самых известных опер Россини. В основу либретто положена одноименная пьеса французского драматурга Бомарше. Действие разворачивается в испанском городе Севилья. Принц Альмавива любит красавицу Розину. Влюбленные мечтают о свадьбе, но их планы неожиданно нарушает доктор Бартоло – опекун Розины, скупой и коварный старик, который тоже не прочь жениться на своей подопечной. Прекрасные замыслы молодых и действия Бартоло являются основой конфликта. На помощь влюбленным приходит Фигаро – цирюльник, музыкант, врачеватель и мастер на все руки, который делает все возможное для счастья молодых. Опера была написана менее чем за две недели. Она носит комический характер и полна юмора, иронии, сатиры, шуток, вызывающих смех. Петр Ильич Чайковский назвал ее «жемчужиной итальянской музыки».

Вольфганг Амадей Моцарт Опера «Свадьба Фигаро»

Вольфганг Амадей Моцарт Опера «Свадьба Фигаро» Гениальный австрийский композитор Вольфганг Амадей Моцарт, прозванный «зальцбургским чудом», – один из талантливейших композиторов всех времен. Моцарт очень любил театр. Будучи поклонником французского театра, он написал оперу на сюжет комедии Пьера Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро». Эта пьеса, содержащая элементы комизма и сатиры, нашла живой отклик в душе композитора. Премьера оперы «Свадьба Фигаро» состоялась в Вене под управлением самого Моцарта. С первых представлений опера была с большим восторгом принята публикой. «Свадьба Фигаро» – музыкальный шедевр, который пользуется успехом и в наши дни. Опера представляет собой спектакль, в котором сюжет и музыка гармонично сочетаются друг с другом. Биограф Моцарта Йозеф Ланге писал о «Свадьбе Фигаро», что это «блестящее произведение, с реальными героями, которых музыка показывает такими, какие они есть – симпатичные, высокомерные, капризные, самолюбивые, прощающие… – люди, порожденные необычайно изобретательной музыкальной мыслью»

Игорь Ковач Детская комическая опера «Гадкий утенок»

Игорь Ковач Детская комическая опера «Гадкий утенок» В основу детской комической оперы «Гадкий утенок» легла одноименная сказка великого датского сказочника Ганса Христиана Андерсена. Музыку написал украинский композитор Игорь Ковач, авторы либретто – А. Горин и Е. Яворский. Мировая премьера состоялась в украинском городе Донецке. Переведенная на румынский язык, опера была поставлена и в Кишинёве, в Национальном театре оперы и балета им. Марии Биешу. Главный персонаж оперы – маленькая Уточка, страдающая оттого что она непохожа на остальных утят. Она с достоинством преодолевает все жизненные невзгоды, превращаясь в финале в белого и красивого лебедя. Этот персонаж воплощает в себе идею о том, что мечты сбываются, если этого очень желать. Спектакль захватывает зрителя смешными и забавными приключениями, в которых, помимо Уточки, участвуют такие персонажи, как Кот Пафнутий, Старый Петух, Царь Индюк, Молодая Курица, Старая Утка, Индюк БрексФекс, Индюк Макс-Вакс. Действие происходит на фоне ярких декораций, персонажи одеты в красочные костюмы. Привлекают прекрасное исполнение музыкальных номеров и великолепная хореография. Атмосфера спектакля переносит маленьких зрителей в мир сказки.

Опера

Опера – жанр музыкального театра Театральное искусство и музыка, находящиеся в тесном взаимодействии с древних времен, дали жизнь музыкальному театру. Опера – сценический музыкальный спектакль, который, как и спектакль в драматическом театре, разворачивается на основе сюжета и в котором артисты на сцене поют в сопровождении симфонического оркестра. Опера возникла в Италии. Своим появлением она обязана Клаудио Монтеверди (1567–1643), итальянскому композитору, который много сделал для развития этого жанра. Из Италии опера была завезена во Францию, а затем распространилась по всей Европе. Начиная с XVII века опера является самым популярным жанром музыкального театра. В создании оперного спектакля участвуют представители разных областей искусства. Сюжет оперы заимствуется из литературного произведения (поэмы, сказки, легенды, мифа и др.), на основе которого составляется либретто – путеводитель по опере. Автор оперного либретто называется либреттист. Композитор знакомится с либретто и на его основе создает музыку спектакля. Многие композиторы сами являются авторами либретто своих опер. В оперном спектакле музыка играет первостепенную роль. Оперный спектакль начинается с оркестрового вступления, называемого увертюрой. Цель увертюры – ввести зрителя в общую атмосферу оперы. Затем начинается собственно оперное действие, которое имеет начало, развитие, кульминацию и развязку. Опера состоит из различных музыкальных номеров, таких как ария, ариозо, каватина, речитатив и др. Ария – основной оперный номер, в котором герой получает музыкальную характеристику. Ариозо и каватина – это небольшие арии лирического характера. Речитатив представляет собой декламационную мелодию, близкую к человеческой речи. Вокальный ансамбль – музыкальный номер, в котором участвуют несколько солистов, составляя дуэты, терцеты, квартеты и др. Хор – большая группа певцов – участвует в музыкальных сценах и выражает мнение массы людей. Сценическое «поведение» персонажей придумывается режиссером спектакля, а их одежда – костюмером. К тому же оперный спектакль немыслим без декораций, которые создает художник-сценограф. В большинство оперных спектаклей включены и хореографические (танцевальные) номера. Таким образом, в создании оперного спектакля участвуют композитор, либреттист, режиссер, хореограф, сценограф, костюмер – каждый с помощью своих выразительных средств. На протяжении своего развития опера подвергалась различным реформам, благодаря чему возникали новые оперные разновидности.

Водевиль

Водевиль (<фр., сокр. [Th éâtre de] Vaudeville) – небольшая пьеса с песенками-куплетами и танцами, предназначенная для музыкального театра. Возникнув во французской музыке эпохи Возрождения, водевиль изначально представлял собой насмешливо-сатирическую песню. В первой половине XVIII века водевилями стали называть куплеты, которые вводились в ярмарочные представления. К середине XVIII века водевиль выделился в отдельный театральный жанр. В истории румынского музыкального театра к жанру водевиля обращались писатель Василе Александри и композитор Александру Флехтенмахер. Созданные ими водевили «Кирица в Яссах» и «Кирица в провинции» до сих пор пользуются любовью как в стране, так и за рубежом. Типичным примером водевиля является песня «Барбу Лэутару» на стихи Василе Александри, повествующая о знаменитом кобзаре, мелодия которой стала настолько популярной, что считается народной.

Людвиг ван Бетховен Увертюра «Эгмонт»

Великий немецкий композитор Людвиг ван Бетховен, прозванный «Титаном музыки», воспевал в своем творчестве мир, свободу и братство, считая, что «свобода и прогресс являются целью искусства и жизни». В 1810 году Бетховен завершил цикл из девяти пьес, навеянных трагедией великого немецкого драматурга Гёте «Эгмонт», которая привлекла его своим героическим содержанием. 37 Людвиг ван Бетховен (1770–1827) Сюжет трагедии связан с событиями, имевшими место в XVI веке, когда народ Нидерландов восстал против испанского владычества. Возглавил борьбу граф Эгмонт, отважный и мужественный человек. Эгмонт погиб, но народ довел борьбу до победного конца. Испания признала независимость части Нидерландов. Увертюра – это начальная пьеса цикла, которая вкратце представляет сюжет трагедии.

Музыка к трагедиям, комедиям и драмам

В Древней Греции были распространены религиозные празднества, посвященные богам, особенно богу Дионису. Они легли в основу театральных представлений, персонажами которых были боги и мифологические герои. Позднее в сцены вводятся особые проблемы: крупные исторические события, например, победы в войнах. Так появились трагедии. Трагедия – спектакль, затрагивающий темы, связанные с историей или легендами. В нем действуют прославленные герои, которые вовлечены в острые конфликты, имеющие несчастливую (трагическую) развязку. Древние греки были поклонниками театрального искусства, которое находилось в постоянном развитии. На сцене игрались пьесы трех типов: трагедии, комедии и драмы. В этих представлениях гармонично сочетались составные элементы спектакля: поэзия, музыка, декламация, танец. Основная роль принадлежала хору: исполняемые им части по значительности превосходили диалоги актеров. Комедия – драматический спектакль, в котором сюжет и развязка вызывают смех. Драма – пьеса, в которой, иногда с долей трагизма и комизма, изображается жизненная реальность, полная сложных конфликтов и противоречий. В последующие исторические эпохи создатели академической музыки стали использовать трагедию, комедию, драму в музыкальном театре. Современная история мировой и национальной музыки насчитывает множество бессмертных произведений, в основу которых положены литературные сочинения этих драматических жанров – например, увертюра «Эгмонт» Людвига ван Бетховена, комическая опера «Свадьба Фигаро» Вольфганга Амадея Моцарта и др

Искусство музыки и театральное искусство

Театр – это искусство представления перед публикой действия, играемого актерами по определенным правилам (спектакля). Театральное искусство объединяет в себе элементы различных видов искусства, таких как музыка, хореография, литература, сценическая речь и др. Музыка и театр породнились еще на заре цивилизации. С незапамятных времен человечество использовало театральную игру. Безоружные перед силами природы, люди придавали предметам и явлениям образы всемогущих богов, в честь которых устраивались различные магические1 действа. Они совершались специально избранными «исполнителями» (мужчинами, женщинами, детьми) по определенным «сценариям» с участием музыки, танца, масок. Черты таких ритуалов2 сохранились в народных обычаях и театрализованных обрядах. Примером может служить танец „Paparudele” («Папаруда»), связанный с обрядом вызывания дождя во время засухи. Музыка была обязательной участницей античного театра. В Древней Греции, например, спектакль не мыслился без хорового пения. Вначале в театре существовал единственный персонаж – хор, который пел и изображал действие пантомимой3 . Со временем из него выделился один актер (позднее два, затем три), который вступал в диалог с хором. В Древнем Риме инструментальная и вокальная музыка сопровождала декламацию актеров. Римляне были убеждены, что музыка является источником душевной гармонии и красоты. Музыка и театр играли большую роль и в последующие эпохи. Музыка, например, исполнялась как во время королевских придворных церемоний, так и на народных праздниках. Музыка звучала и в театре – ритмическая и напевная, вокальная и инструментальная, она была неотъемлемой частью театральных представлений. С развитием христианства музыка и театральное искусство проникли в церковь. Пение является важнейшей частью христианского богослужения, 1 Магический – связанный с магией: действиями, направленными на вызов сверхъестественных сил, которым приписывается способность творить чудеса. 2 Ритуал – символическое действие в древних религиозных верованиях. 3 Пантомима – исполнение роли с помощью мимики и жестов. 35 выражением единения прихожан. Вместе с тем, церковное песнопение – это не только средство общей молитвы, но и источник художественного наслаждения. Очень часто церковная музыка используется в спектаклях на библейские сюжеты, например, о рае и аде. Позже народная и церковная музыка становятся источниками вдохновения в светской музыке (академической, классической) – произведениях, создаваемых композиторами. На протяжении веков в академической музыке зарождались разнообразные музыкальные жанры – симфония, опера, балет и др., которые, в свою очередь, повлияли на развитие музыкального театра.

Колядка Колядка

Колядка Колядка – один из древнейших жанров музыкального фольклора, известный со времен Древнего Рима. Фольклорист Константин А. Ионеску отмечал: «Колядка представляет собой одно из основных свойств человеческой духовности, она выполняет высокую этическую миссию…». С появлением христианства к колядкам на мифологический сюжет добавились колядки религиозного содержания. Отче наш Музыка: П.И. Чайковский От - че наш, И-же е - си на не-бе - сех! Да свя - тит - ся и - мя Тво - е, да при - и - дет цар-стви-е Тво-е, да бу - дет во - ля Тво - я, f я - ко на не-бе - си и на зем - ли. Хлеб наш на - p сущ-ный даждь нам днесь и о - ста-ви нам дол-ги p долж-ни - ком на - шим; и не вве-ди нас во ис-куна - ша, я - ко же и мы о - став - ля - ем pp ше-ни - е, но из - ба-ви нас от лу - ка - во - го. pp 29 Колядка – традиционная песня, поющаяся на Рождество и Новый год группой детей, парней или взрослых. Колядка «O, ce veste minunată!» («О, чудесное известие!») по праву считается одной из самых прекрасных колядок, в которых возвещается о рождении Господа Иисуса Христа. Эта нежная, певучая мелодия вдохновила многих композиторов на создание обработок для различных хоровых составов.

Духовная музыка

 Духовная музыка занимает важное место в жизни человеческого общества. Она звучит в храмах, концертных залах, на радио и телевидении. Духовная музыка – музыка, исполняемая в церкви и предназначенная для совершения богослужения. Существуют произведения, которые играют в церковной службе первостепенную роль. К примеру, главнейшим богослужением в православной церкви является литургия – служба, которая совершается каждое воскресное утро и в дни великих праздников. Она состоит из многочисленных песнопений. Важным литургическим песнопением является «Отче наш» – молитва, которую дал Спаситель Иисус Христос своим ученикам

Ион Пауленку

Ион Пауленку Ион Пауленку – солист Национального театра оперы и балета им. Марии Биешу, бас, известный исполнитель классической и народной музыки. Прежде, чем стать артистом, Ион Пауленку освоил несколько разных профессий, но любовь к искусству захватила его, и он полностью посвятил себя музыке. Обладая богатейшими вокальными данными, маэстро играет главные роли в классических и современных оперных спектаклях. Ион Пауленку также является неутомимым пропагандистом национального фольклора, исполняя дойны, баллады, колядки из собственной коллекции. Он играет на 15 народных музыкальных инструментах: кавале, флуере, тилинке, окарине, чимпое и др. Основал этнофольклорный ансамбль «Буковина». Ведет на радио передачи о фольклоре. Ион Пауленку с успехом проявляет себя и как преподаватель по вокалу.

Михаил Мунтяну

Михаил Мунтяну – артист Национального театра оперы и балета им. Марии Биешу, один из самых известных в мире теноров, исполнителей классической музыки. Он обладает красивым голосом, отличающимся богатством тембровых красок. Это позволяет певцу исполнять ведущие партии в классических и современных операх. Кроме того, Михаил Мунтяну является непревзойденным исполнителем романсов. Будучи педагогом по вокалу, он передает свой бесценный опыт будущим певцам. Михаил Мунтяну – выдающийся деятель культуры нашего народа.

Мария Биешу

 Мария Биешу была оперной певицей (сопрано), солисткой Национального театра оперы и балета. Ее называют Примадонной Национальной оперы. Музыкальную одаренность и любовь к пению Мария Биешу унаследовала от своей матери, лучшей певицы села Волинтирь района Штефан-Водэ. Многие спектакли кишинёвского оперного театра были поставлены специально для Марии Биешу. Ее несравненной красоты голос, восхищавший многочисленную публику, звучал на лучших оперных сценах мира. В 1990 году певица основала Международный фестиваль звезд оперы и балета «Приглашает Мария Биешу». Ежегодно на несколько недель Кишинёв становится центром оперной музыки, принимая знаменитых артистов со всего света. После смерти Марии Биешу Национальный театр оперы и балета, а также созданный певицей фестиваль стали носить ее имя. Мария Биешу была не только оперной певицей, но и прекрасной исполнительницей народной музыки.

О человеческих голосах

О человеческих голосах Великая тайна музыкального искусства кроется в человеческом голосе. С древнейших времен человек почувствовал его волшебную силу и стал использовать ее, обращаясь к богам. С тех пор люди постоянно осваивают духовные и художественные возможности голоса. Голос пленяет нас своими неповторимыми качествами – нежный или раскатистый, непредсказуемый или монотонный, он всегда самым непосредственным образом воздействует на нас. Вот почему голос стал краеугольным камнем, который лег в основу многих музыкальных жанров. Желание петь живет в каждом из нас. Однако не о каждом человеке можно сказать, что он – певец. Голос, этот природный «инструмент», которым мы все обладаем, очень сложен. Профессиональным певцам свойственны такие качества, как хорошее владение дыханием и подачей звука, полетность голоса, отчетливое произнесение звуков родной или иностранной речи. Помимо этого, певец должен обладать развитой техникой и высокой культурой вокального исполнения. Профессиональный певец учится управлять голосом точно так же, как исполнитель-инструменталист совершенствует свои технические навыки, систематически упражняясь на инструменте.

Ион Маковей Оратория «Миорица»

 Народная баллада «Миорица», открытая Алеку Руссо и впервые опубликованная Василе Александри, насчитывает сегодня сотни литературных вариантов, став источником вдохновения для писателей, композиторов и художников. Бессмертный стих привлек внимание молдавского композитора Иона Маковея, сочинившего на основе эпического сюжета ораторию «Миорица». За это талантливое сочинение в 1989 году композитор был удостоен Государственной премии. 22 Оратория – крупное вокально-симфоническое произведение на тексты драматического, эпического или созерцательного характера для солистов, хора и оркестра, предназначенное для концертного исполнения. Задуманная для солистов, хора и симфонического оркестра, оратория «Миорица» является масштабной одночастной композицией, включающей в себя почти весь литературный текст баллады. Лирические герои оратории отличаются по типу голосов: Миорица – сопрано, Чобэнаш – тенор, Мама – меццо-сопрано. В сочинении нашли отражение музыкальные темы, заимствованные из национального фольклора. С помощью разнообразных музыкальных средств композитор передал всю глубину чувств, величие духа и несгибаемую волю человека, его любовь к жизни, к родному краю.

Баллада «Миорица»

Баллада «Миорица» Бессмертная баллада «Миорица» – один из величайших памятников румынского фольклора. Она родилась в Карпатах и обобщает в себе бесценный жизненный и духовный опыт народа. Являясь произведением народного творчества, баллада «Миорица» поднимает темы, относящиеся к вечной проблеме взаимоотношений человека с самим собой и с окружающим его миром. Михаил Садовяну писал: «Среди всего того, что мы унаследовали от прошлого, (…) есть одна вещь, которая поднимается так высоко в своей чистоте и проникновенности, что мы, по правде сказать, вряд ли найдем нечто подобное в другом народном литературном творчестве, а может быть, даже и профессиональная литература, со всем ее бесконечным разнообразием, не рождала столь гармоничной и совершенной поэмы. Я имею в виду ту изумительную старинную песнь, опубликованную в прошлом веке Василе Александри, которая называется «Миорица»

Былина

Былина – эпический жанр русского музыкально-поэтического фольклора, для которого характерны следующие общепринятые признаки: художественное отображение исторической действительности и идеалов народа; присутствие элементов мифологии, фантастики; наличие развернутого повествовательного сюжета, гиперболичность образов, обилие эпитетов и метафор и др. Былинные напевы претворены в произведениях Н.А. Римского-Корсакова, М.П. Мусоргского, А.С. Аренского и др

Классическая песня

 Классическая песня (нем. – Lied, англ. – Song, фр. – Chanson) – это музыкальное произведение для голоса в сопровождении инструмента, чаще всего – фортепьяно. В основу классических песен кладутся лирические стихи или поэмы, содержание которых определяет характер музыки. Классическая песня является преемственницей народной песни. В качестве жанра профессиональной музыки она утвердилась в творчестве композиторов-классиков: Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, окончательно сформировалась у таких композиторов, как Франц Шуберт, Роберт Шуман, Феликс Мендельсон-Бартольди, Ференц Лист, Иоганнес Брамс и др. Музыкальная выразительность классических песен во многом была обязана литературной основе – поэмам Гете, Гейне, Шиллера. Но и многие 17 произведения литературы приобрели популярность благодаря сочиненным к ним мелодиям и подобранному аккомпанементу. Один из известных авторов таких песен – Франц Шуберт, сочинил свыше 600 произведений. Замечательный пример классической песни – его произведение «Форель».

Романс

Романс Романс представляет собой вокальную музыкальную композицию с простым инструментальным аккомпанементом, имеющую лирическое сентиментальное содержание и линию мелодии особой выразительности. Романсы доступны для восприятия, они легко запоминаются и пользуются большой популярностью, особенно в рядах меломанов, наравне с популярной музыкой. Начиная с XVI века романсы получают широкое распространение во всех странах Европы. По сравнению с песней, в романсе мелодия более детально отражает содержание текста. Поэтическая основа романсов воплощает стороны жизни, связанные с любовными переживаниями. Начиная с XIX века, романс становится одним из основных вокальных жанров. Стремясь к обновлению и обогащению средств выразительности, великие композиторы обращались к классическому поэтическому творчеству, создавая подлинные шедевры в жанре романса. Примером могут служить произведения таких известных композиторов, как Франц Шуберт, Роберт Шуман, Иоганнес Брамс, Шарль Гуно, Эдвард Григ, Михаил Глинка, Петр Чайковский, Сергей Рахманинов и других. X Узнайте больше Михай Эминеску – наш национальный поэт. Поэзия Эминеску заставляет размышлять о человеческой судьбе, о вселенной и космических мирах, воспевает героическое прошлое народа. Эминеску также поэт природы и любви. Поэзию Михая Эминеску отличает удивительная музыкальность. Многие его стихи положены на музыку. Творчество поэта легло в основу музыкальных произведений различных жанров, от серенад до масштабных сочинений: опер, балетов, симфоний. Так, например, поэма Михая Эминеску «Лучафэрул» вдохновила Еуджена Догу на создание одноименного балета. Михай Эминеску 15 3. Взойдет ли красно солнышко, – 4. Ни сосенки кудрявые, Кого под тень принять? Ни ивки близ него, Ударит ли погодушка, – Ни кустики зеленые Кто будет защищать? 2 раза Не вьются вкруг него. 2 раза 5. Ах, скучно одинокому И дереву расти! Ах, горько, горько молодцу Без милой жизнь вести! 2 раза Румынская музыкальная культура гордится своими композиторами, которые облекли прекраснейшие стихотворения в задушевную мелодичную форму романса. Кто не знает таких романсов на стихи Михая Эминеску, как «О, если мне сказать не можешь» («O, dacă n-ai nimic a-mi spune»), «У одиноких тополей» («Pe lângă plopii fără soţ») или «Тоскую лишь о том» («Mai am un singur dor»), которые стали поистине народными песнями. В русской музыкальной культуре второй половины XVIII – начала XIX веков появился новый тип сольной песни, исполняемой с инструментальным сопровождением. Это песни-романсы, являющиеся выразительными лирическими высказываниями, проникнутыми задушевными и сердечными мотивами.

Лирическая песня

Лирическая песня Лирическая песня соединяет музыкальные и поэтические образы, являясь самым распространенным видом вокальной музыки. Лирическая поэзия представляет собой литературный жанр, выражающий разнообразные эмоциональные состояния, переживаемые поэтом. Поэтому еще с античных времен лирическая поэзия считается жанром, наиболее родственным музыке. Термин «лирическая» происходит от названия древнего му зыкального инструмента – «лиры», которая использовалась для аккомпанемен та во время декламирования поэм. Лирическая песня отличается большим разнообразием: существуют романсы, а также любовные, протяжные, шуточные и другие песни. Яркие произведения в жанре лирической песни созданы рядом композиторов на стихи Михая Эминеску. Так, одно из изумительных стихотворений поэта – «Доброй ночи» («Somnoroase păsărele») – вдохновило композитора Теодора Флондора, который создал на его основе оригинальную мелодию, что не только усилило эмоциональное воздействие стихов, но и обеспечило им широкую популярность.

Композитор и поэт

Композитор и поэт Композитор сочиняет музыкальные произведения, вдохновленный творчеством поэта. Результатом симбиоза музыки и поэзии является песня. Составляя единое художественное целое, музыка и поэзия обеспечивают песне чрезвычайную выразительность и силу воздействия на слушателя. Песня издавна привлекала к себе внимание поэтов всего мира. Замечательные примеры сотрудничества поэтов и композиторов в этой сфере есть в любой национальной культуре. Некоторые песни стали частью культурного наследия нашего народа, настоящими шедеврами жанра, например, песни на стихи Василе Александри, Алексея Матеевича, Михая Эминеску, музыку к которым написали Антон Панн, Гавриил Музическу, Чиприан Порумбеску, Александру Флехтенмахер и другие. В наши дни все больше композиторов и поэтов активно работают в жанре песни. Стихи Григоре Виеру, например, вдохновили многих композиторов. Порой сами поэты становятся авторами музыки к своим стихам. 

Народные песни

Народные песни Поэзия – это выражение мысли, способной передать самые тонкие душевные состояния человека. Но для того, чтобы выразить мысль более ярко и выразительно, народ соединил стих с мелодией. Взаимосвязь народной музыки с народной поэзией представляет собой художественное явление, развивавшееся на протяжении столетий. Имея общую многовековую историю и единого автора – народ, – народная музыка и народная поэзия доступны для восприятия и исполнения большинством представителей определенной нации. Глубина содержания народных стихов и мелодий делает их неисчерпаемым источником народной мудрости. «Вся мудрость народа, его историческая судьба, жизнь и страдания, стремления и действительность, чувства и рассуждения – все это собрано по крупицам и сложено на страницах народной поэзии. (…) Народный стих заключает в себе преемственность, несокрушимую связь поколений, которая осуществляется через силу слова, переходящего от отца к сыну», – утверждает поэт Ион Ватаману. Первые проявления единения музыки со словом (с поэзией) наблюдаются в устном творчестве (фольклоре) детей. Игры детей часто сопровождаются спонтанным сочинением стихов, считалок, загадок, к которым прибавляются совсем простые, легко интонируемые мелодии. Песни из детского фольклора разнообразны по содержанию. Они рассказывают о поведении животных и насекомых, о явлениях природы, многие из них являются колыбельными песнями.

Mikalojus Konstantinas Ciurlionis. Poemul simfonic „Marea”

Istoria culturii mondiale cunoaște numele mai multor reprezentanţi care s-au produs la fel de bine în două sau chiar în mai multe domenii ale creaţiei artistice. Mikalojus Konstantinas Ciurlionis a lăsat omenirii o moștenire demnă de o înaltă apreciere atît în muzică, cît și în pictură. El vedea sunetele în culori și asocia culorilor diverse tonuri muzicale. Deși a avut o viaţă scurtă, în cele peste 200 de creaţii muzicale și aproximativ 300 de lucrări plastice s-a dovedit a fi o fi gură impresionantă și originală în cultura europeană de la intersecţia secolelor XIX–XX. Născut într-un mic oraș din Lituania, încă din primii ani de viaţă i-au fost observate calităţile muzicale deosebite. Fiind îndrumat să facă studii muzicale, el se înscrie la Școala de Orchestră pe cînd avea 14 ani. Acolo studiază fl autul, cîntă în orchestră, face primele încercări de a compune muzică. Deoarece era un elev sîrguincios, îi rămînea timp liber pentru a efectua ieșiri dese în împrejurimile pitorești ale locului, unde admira cu nesaţ frumuseţile naturii și le schiţa în desene.
După absolvirea Școlii de Orchestră, este îndrumat de Mihail Oghinski să-și continue studiile la Conservatorul din Varșovia. În 1899, se încheie ciclul de învăţămînt și Ciurlionis simte nevoia de a-și aprofunda cunoștinţele muzicale. Cu acest scop, el este îndrumat și susţinut material pentru a se înscrie la Conservatorul din Leipzig. Aici, Ciurlionis studiază cu cei mai buni profesori arta compoziţiei, a instrumentării și se afi rmă ca un compozitor de forme muzicale ample. În această perioadă scrie un cvartet de coarde, o uvertură, o fantezie simfonică, cîteva piese instrumentale, un mare număr de canoane și fugi pentru pian etc. Ciurlionis face lecturi serioase, vizitează frecvent sălile muzeelor de arte plastice, se interesează mult de operele marilor scriitori, fi lozofi . Toate aceste preocupări au determinat ca muzica lui să fi e deosebit de originală, resimţindu-se în ea spiritul fanteziei fără margini și, în același timp, laconismul în expresia ideilor. Toată lumea era convinsă că Ciurlionis va deveni un compozitor de o factură nouă, căruia i se deschideau mari perspective pentru a deveni consacrat artei muzicale. Urma doar să se facă un pas decisiv. Dar acest pas nu a fost făcut, căci, dintre pasiunile multiple ale lui Ciurlionis, pictura a ajuns să preia locul muzicii. Din anul 1907 și pînă la sfîrșitul vieţii, Ciurlionis se consacră în întregime picturii.

George Enescu. Rapsodia română nr. 2

Dacă prima rapsodie a compozitorului român George Enescu poate fi asemuită cu un tablou reprezentînd o scenă de amploare a unei petreceri populare, cea de-a doua rapsodie evocă imaginea unui faimos monument de arhitectură – Cetatea Neamţului. Compozitorul „proiectează” cetatea în sonorităţi ce ne aduc aminte de legendă. Primul motiv este asemănător celui bine cunoscut din basmele noastre cu „A fost odată...”. Cetatea Neamţului este locul unde Ștefan cel Mare își căutase refugiu după crunta bătălie de la Valea Albă. Pe măsura dezvoltării compoziţiei muzicale, ritmurile cresc prin angajarea întregii orchestre. Lucrarea creează la audiţie impresia afl ării ascultătorului în cetatea dominată de sufl ul marelui voievod.

Nicolae Grigorescu (1838–1907)

Este unul dintre cei mai mari pictori români, care a lăsat în patrimoniul cultural al neamului valoroase opere de artă. Lucrările sale cu diferită tematică sînt expuse în cele mai prestigioase galerii și muzee de artă din România și din lume. Renumitul pictor, fi u de ţăran, din copilărie a cunoscut viaţa deloc ușoară a oamenilor de la sat. Aceste impresii și-au pus amprenta pe întreaga activitate de creaţie a celebrului pictor.

Ion Hartulary-Darclée. Suita simfonică „Picturi de Grigorescu”

Compozitorul român Ion Hartulary-Darclée (1886–1969), inspirat de tablourile marelui pictor român Nicolae Grigorescu: „Car cu boi”, „Venind de la izvor”, „Păstoriţa”, „Dorobanţul”, a compus suita simfonică „Picturi de Grigorescu”. Cele patru tablouri muzicale le completează pe cele picturale, fi ind executate prin mijloace specifi ce.

Modest Petrovici Musorgski. Suita pentru pian „Tablouri dintr-o expoziţie”

Există diverse modalităţi de infl uenţare reciprocă a muzicii și artelor plastice. Un exemplu clasic îl constituie cel al compozitorului rus Modest Petrovici Musorgski, care a transpus în limbajul muzicii impresiile produse de zece tablouri pe care le-a admirat la expoziţia pictorului Victor Hartman, un contemporan al compozitorului. Musorgski reunește aceste tablouri muzicale într-o suită pentru pian, orchestrată mai apoi de compozitorul francez Maurice Ravel. Elementul de legătură al suitei îl constituie tema „Promenadei”, reprezentînd deplasarea compozitorului de la un tablou la altul. Din această celebră suită se remarcă două tablouri. Primul tablou muzical – „Baletul puișorilor ieșiţi din găoace” – este inspirat de imaginea pictată ce reprezintă niște costume de balet în formă de găoace. Sunetele în registrul acut și tempoul vertiginos redau ţipetele răsunătoare ale puișorilor, mișcările lor ușoare și amuzante. Cel de-al doilea tablou muzical constituie o memorabilă piesă ce semnifi că forţă și glorie – „Porţile Kievului”. Musorgski a compus-o fi ind impresionat de măreţia creaţiei picturale „Marea poartă a Kievului”, unde sînt înfăţișate porţile Kievului avînd forma unui coif uriaș. Kievul, vechea capitală a Rusiei kievene, simboliza puterea ţării. Suită – creaţie instrumentală alcătuită din cîteva părţi de sine stătătoare, de obicei contrastante, dar reunite printr-o concepţie artistică unitară. Părţile constitutive ale suitei se deosebesc prin caracterul, ritmul, tempoul lor.

Tiberiu Olah. Intrarea lui Mihai Viteazul în Alba-Iulia

Din muzica pentru fi lmul „Mihai Viteazul” compozitorul român Tiberiu Olah a selectat cîteva tablouri muzicale pentru lucrarea intitulată „Intrarea lui Mihai Viteazul în Alba-Iulia”, ce glorifi că semnifi caţia evenimentului. Măreţia momentului a fost imortalizată și în celebra pînză a lui Constantin Lecca cu aceeași denumire.

Gavriil Musicescu. Cîntecul lui Ștefan cel Mare

În „Cîntecul lui Ștefan cel Mare” de Gavriil Musicescu sînt exprimate bărbăţia, dîrzenia și eroismul domnitorului Moldovei. Aceste caracteristici redate prin mijloace muzicale pot fi cu ușurinţă recunoscute și în trăsăturile dăltuite de sculptori în monumentele din piatră și bronz ale marelui voievod.

Iacob Mureşianu. Uvertura „Ștefan cel Mare”

Iacob Mureșianu, unul din întemeietorii artei muzicale românești, a realizat creaţii muzicale inspirate din folclorul și din istoria neamului. Uvertura „Ștefan cel Mare” este una din primele creaţii de muzică simfonică românească. În uvertură descoperim ipostaza monumentală a voievodului neînfricat. Compozitorul s-a inspirat din melodia cîntecului „Mama lui Ștefan cel Mare” de A. Flechtenmacher. Pornind de la melodia cu caracter de romanţă, compozitorul dezvoltă portretul muzical al voievodului. O semnifi caţie artistică deosebită în redarea portretului marelui domnitor îi revine orchestraţiei (distribuirea instrumentelor orchestrei) excepţionale a muzicii uverturii.

N.A. Rimski-Korsakov. Suita simfonică „Șeherazada”

Fiind cursant al Școlii corpului de marină, între 1862 și 1865, N.A. Rimski-Korsakov face o călătorie peste ocean. Impresiile din această călătorie au fost redate în suita simfonică „Șeherazada”. Cele 4 părţi ale suitei constituie descrieri muzicale de o rară frumuseţe, inspirate din subiectele poveștilor arabe din „O mie și una de nopţi”. Suita începe cu o frază muzicală, susţinută într-un caracter violent, în care-și dau concursul tromboanele, tuba, contrabasurile și alte instrumente din orchestră. Aceste prime acorduri amintesc de imaginea necruţătorului rege Șahriar. De abia ce orchestra încetinește, apare chipul Șeherazadei, reprezentat de timbrul gingaș, curat, oarecum trist al viorii solistice. Începe a se depăna fi rul celei dintîi povești. Muzica deplasează ascultătorul în stihia largului uneia din mările sudice. Călătoria liniștită a marinarului Sindbad este afectată de tulburarea pe neașteptate a mării. Valurile uriașe lovesc neîncetat și îngrozitor corabia călătorului. Pentru a reda confruntarea cu valurile sălbatice, orchestra pune în acţiune tot arsenalul ei de mijloace sonore. Prin forţa de expresie, tablourile mării pe timp de furtună, create de compozitorul Rimski-Korsakov, pot fi asemuite cu celebrele lucrări ale pictorului rus Ivan Konstantinovici Aivazovski.

Dumitru Georgescu-Kiriac. Moara

Compozitorul Dumitru Georgescu-Kiriac face parte din elita muzicienilor români. Numele său este legat de punerea în valoare a cîntecului folcloric. A cules, a studiat folclorul de pe toate teritoriile locuite de români și a pledat pentru înfi inţarea Arhivei Naţionale de Folclor. Cu intenţia de a apropia tînăra generaţie de muzica populară naţională, a adunat cele mai frumoase creaţii muzicale, alcătuind culegeri de cîntece pentru școlari. A cultivat folclorul și în muzica corală, dăruind patrimoniului muzicii naţionale numeroase lucrări în stil popular. Cîntecul „Moara” reproduce un tablou muzical în care mișcarea roţii morii este redată printr-o linie melodică tipică ce conţine creșteri și descreșteri.

Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov. Tabloul simfonic „Zborul cărăbușului” din opera „Povestea ţarului Saltan”

Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov a fost un maestru al culorii orchestrale și al picturii muzicale. Compozitorul Serghei Rahmaninov menţiona că în partiturile lui Rimski-Korsakov nu există nici cea mai mică îndoială cu privire la „tabloul meteorologic pe care muzica are menirea să-l reproducă. Cînd afară e viscol, fulgii parcă dansează și sar în faţa ferestrei. Iar viorile nu se mai aud cînd soarele se înalţă pe bolta cerului, toate instrumentele strălucesc împreună cu el aproape la fi ecare măsură. Cînd este vorba de apă, valurile unduie și dansează prin orchestră... Sunetul este rece și sticlos atunci cînd descrie o noapte geroasă și calmă de iarnă, cu cerul spuzit de stele. A fost un mare maestru al picturii cu sunetul orchestral...”. Operele-basme semnate de compozitorul Rimski-Korsakov deschid ascultătorului o lume nouă, încîntătoare, o lume a supranaturalului și a exoticului. Astfel, muzica operei „Povestea ţarului Saltan” l-a inspirat pe pictorul Mihail Vrubel în crearea tabloului „Crăiasa-lebădă”, cu impresionantul chip plăpînd și trist al personajului de basm.În opera „Povestea ţarului Saltan”, Rimski-Korsakov creează, între altele, un tablou muzical de excepţie, care sugerează zborul unui cărăbuș. În acest scop, compozitorul apelează la mijloacele muzicale corespunzătoare: mișcarea oscilantă a melodiei, tempoul, nuanţele dinamice, timbrul instrumentelor cu corzi, în special, al violoncelelor.

Costumul naţional (portul popular)

În lucrarea „La gura unei peșteri de comori”, Vladimir Curbet, Artist al Poporului din Republica Moldova – neobosit culegător de folclor și datini populare –, consemnează că portul naţional românesc a fost zămislit de mintea, sufl etul și mîinile dibace ale strămoșilor noștri, purtîndu-l cu mîndrie și demnitate, pe care l-au păstrat cu sfi nţenie și l-au transmis din generaţie în generaţie ca pe o adevărată comoară. Portul naţional reprezintă una dintre cele mai însemnate forme de cultură a unui popor, ridicînd multe probleme, dintre care unele suscită un interes deosebit cum ar fi : geneza istorică și etapele principale de evoluţie, formele contemporane și aria de răspîndire etc. În republica noastră se disting 4 regiuni care diferă în ce privește unele detalii ale portului popular: raioanele de nord, centrale, de sud și cele estice. Obiceiurile tradiţionale ale neamului cum ar fi : plugușorul, capra, sorcova, călușarii, Rusaliile etc. sînt legate organic de cîntecul și dansul popular. Un aport considerabil pe acest tărîm îl aduc colectivele etnofolclorice din republică, care în ultimii 20 de ani au căpătat o răspîndire destul de largă. Unul dintre ele, care a atins performanţe mari în păstrarea și valorifi carea pentru generaţiile viitoare a portului popular, a obiceiurilor, cîntecelor și dansurilor strămoșilor noștri, este Grupul Etnofolcloric din Chișinău „Moștenitorii” (conducător artistic – Valeriu Chiper, conducător muzical – Dan Vizitiu).

Arta decorativă populară şi folclorul muzical

Oamenii din diferite ţări ale lumii și epoci istorice au manifestat în permanenţă tendinţa de a-și înfrumuseţa spaţiul și obiectele din jurul lor. Activitatea umană de împodobire a unor obiecte cu elemente artistice poartă denumirea de artă decorativă. Cei ce practică arta decorativă se împart în două categorii: – persoane pentru care arta decorativă a devenit o activitate profesională; – persoane talentate pentru care această activitate a devenit o îndeletnicire ce produce plăcerea estetică, pe lîngă ocupaţia de bază (profesia). Din ambele categorii s-au evidenţiat talente de excepţie care formează artiștii din domeniul artizanal numiţi meșteri populari. Dintre producţiile meșterilor populari care au cele mai apropiate tangenţe cu folclorul muzical sînt considerate: a) portul popular cu detaliile lui caracteristice; b) instrumentele muzicale populare, care, graţie implicării spiritului creativ al meșterului popular, pot fi considerate, pe bună dreptate, adevărate obiecte de artă.

Arta muzicii în asociere cu arta culorilor şi formelor

Muzica este o artă ale cărei mijloace de exprimare sînt sunetele. Ea poate fi cunoscută, mai întîi de toate, pe cale auditivă, în procesul emiterii de vocea umană sau prin intermediul instrumentelor muzicale. Acest fenomen acustic dispune de un întreg arsenal de mijloace artistice de exprimare: melodie, ritm, mod, dinamică, timbru, registru, tempou. Artele plastice (pictura, sculptura, arhitectura) redau lumea prin alte mijloace artistice: punct, pată, culoare, linie, formă, volum etc., care pot fi perce pute vizual. Cu toate aceste diferenţe, evoluţia istorică concomitentă a artelor plastice și a muzicii a făcut ca ele să aibă multe asemănări. Genialul pictor italian din epoca Renașterii Leonardo da Vinci afi rma că muzica și pictura sînt surori. Din timpuri îndepărtate, muzica a constituit subiectul multor opere de artă plastică, de exemplu, pe zugrăvelile mănăstirilor din nordul Moldovei îngerii cîntă la bucium, iar psalmistul David (personaj biblic) apare în numeroase pînze acompaniindu-se la cobză. Alte pînze înfăţișează portrete ale muzicienilor, cîntăreţilor, dansatorilor, secvenţe din concerte (toate în procesul producerii actului estetic) sau instrumente muzicale (în special, naturi statice) etc. Unii plasticieni utilizează în calitate de titluri pentru lucrările lor termeni muzicali, cum ar fi , de exemplu, „Fuga”, „Sonata”, „Recviem”, „Adagio”, „Acord” etc. Ambele arte folosesc numeroși termeni generali comuni: compoziţie, formă, stil, culoare, ritm etc. Bunăoară, compoziţie muzicală – totalitatea elementelor ce alcătuiesc o lucrare muzicală; compoziţie picturală – felul în care sînt dispuse elementele imaginii într-un tablou. Muzica are capacitatea de a face să învie în conștiinţa noastră cele mai diverse reprezentări vizuale ale unor personalităţi, evenimente, fapte, fenomene naturale etc. La rîndul lor, lucrările de artă plastică, asociindu-se cu muzica, creează posibilităţi pentru o mai bună înţelegere a mesajului și conţinutului emoţional al operelor.

Dansurile moderne europene

Această categorie de dansuri moderne, numită „standard”, s-a afi rmat în calitatea ei de bază a tuturor programelor de studiu al școlilor de dansuri moderne și sportive din Europa și din lumea întreagă. De regulă, studiul dansurilor europene începe cu însușirea valsului, apoi a tangoului și foxtrotului lent, dat fi ind faptul că aceste genuri înaintează cerinţe foarte stricte pentru participanţi și, în afara unei iniţieri prealabile, este difi cil de a le respecta. În astfel de condiţii, cea mai efi cientă soluţie pentru studiul serios al dansului este frecventarea lecţiilor particulare care se organizează sub egida asociaţiilor regionale ale coregrafi lor, din care fac parte pedagogul și școala sa, sau a asociaţiilor internaţionale de dans modern. Practicarea dansului modern solicită din partea participanţilor antrenament sistematic, muncă asiduă. Efortul fi zic depus poate fi comparat doar cu cel al sportivilor de la patinajul artistic sau al celor care practică tenisul de cîmp. Dansul, de oricare gen ar fi , ca formă de exprimare a senzaţiilor, impulsurilor și a sentimentelor, oferă fericita ocazie de a comunica cu cei din jurul nostru într-un limbaj specifi c, dăruind frumuseţe și încîntare estetică.

Rock-and-roll

Rock-and-roll. Pe la jumătatea secolului al XX-lea, în SUA a luat naștere un nou stil de dans – rock-and-roll, caracterizat prin răsuciri, piruete, deplasări ale partenerilor în direcţii diferite, cu gesturi convulsive. Dansul s-a răspîndit foarte repede în toate școlile de dans modern din lume. Stilul este inclus în mod obligatoriu în programele concursurilor internaţionale de dans modern

Country.

Country. Dansul modern în stil country-american se bucură de mare popularitate atît în America de Nord, cît și în ţările europene. Specifi c pentru acest stil de dans este că participanţii se aranjează într-o linie ce le permite să execute, să improvizeze liber diverse mișcări în caracterul muzicii

Samba

Samba a fost descoperită de marinarii portughezi și răspîndită ulterior în ţările Europei. Cînd pronunţăm samba, în imaginaţia noastră apare fantasticul carnaval brazilian, în cadrul căruia pretutindeni se execută acest dans frumos cu un ritm arzător și costume multicolore. Ritmurile sambei amintesc de acelea venite din îndepărtata Africă de Sud-Vest. Pătrunzînd în Europa, samba a devenit un dans modern de societate. Tradiţiile carnavalului brazilian au fost preluate de europeni. Astfel de carnavaluri se desfășoară periodic în Italia (carnavalul de la Roma, Veneţia). În unele ţări europene (Grecia, Macedonia etc.), manifestări culturale asemănătoare carnavalului se desfășoară pînă la începutul Postului Mare.

Dansurile latino-americane şi nord-americane

Lambada, apărută pentru prima dată în anul 1987 ca o varietate a dansului modern de perechi de provenienţă latino-americană – samba, în scurt timp se răspîndește nespus de rapid în toată lumea. Lambada întrunește în sine elemente coregrafi ce din mai multe dansuri moderne, fi ind caracterizată prin mișcarea rapidă și ritmică a șoldurilor.

Dansurile moderne. Varietatea lor

Dansurile moderne își fac apariţia în viaţa culturală a societăţii în anii ’20–’30 ai secolului trecut. Pe atunci, în America, se deschid primele cluburi de dans modern care erau frecventate de amatorii genului de diferite vîrste. În asemenea cluburi se practicau dansuri cu caracter preponderent distractiv. Însă odată cu sporirea în societate a interesului deosebit pentru muzica latino-americană, dansurile moderne au început să se răspîndească în întreaga lume. Dintre acestea pot fi enumerate: tangoul argentinian, salsa, mambo, merenga, lambada, samba, country și rock-and-rollul. Cluburile de dans modern au avut la început o importanţă deosebită în dezvoltarea și perfecţionarea stilurilor interpretative ale genurilor enumerate. 

Piotr Ilici Ceaikovski. Baletul „Lacul lebedelor”

Marele compozitor rus Piotr Ilici Ceaikovski, fi ind inspirat de subiectele unor basme cu personaje și întîmplări fantastice, a scris o muzică excepţională pentru baletele: „Lacul lebedelor” (1876), „Frumoasa din pădurea adormită” (1889), „Spărgătorul de nuci” (1892). „Lacul lebedelor” este considerat unul dintre cele mai celebre balete romantice din muzica universală. Cele trei balete clasice pe muzica lui Ceaikovski au fost puse în scenă după coregrafi ile ilustrului dansator francez Marius Petipa, care timp de 40 de ani s-a afl at în fruntea baletului din Sankt-Petersburg. Criticii de arta baletului fac pe bună dreptate asemănări ale spectacolului de operă cu cel al baletului, numai că părţile pentru „voce” ale cîntăreţilor sînt destinate dansatorilor. Fiecare partitură are echivalente ale ariilor, duetelor și ansamblurilor de operă.

Baletul

Baletul reprezintă genul de artă muzical-dramatică care îmbină muzica orchestrală, dansul, mimica și mișcările plastice ale corpului. Baletul are la bază un libret inspirat dintr-o operă literară. Un spectacol de balet se constituie din acte și tablouri. Conţinutul dramatic și emoţional al baletului este determinat de muzică. Printre renumiţii compozitori ai lumii care și-au consacrat o bună parte din activitatea componistică muzicii de balet sînt: Piotr Ilici Ceaikovski, Serghei Prokofi ev, Igor Stravinski, iar în creaţia muzicală românească – Eugen Doga

Boleroul

Un alt dans de societate de largă răspîndire este dansul popular spaniol în ritm legănat, însoţit de acompaniament de chitară şi castaniete, numit bolero. Cel care a sintetizat ritmurile şi sonorităţile acestui dans a fost compozitorul francez Maurice Ravel, considerat astăzi clasic al muzicii. Creaţia lui este admirată nu numai pentru lirismul şi feeria pe care o degajă, ci şi pentru limpezimea, puritatea şi perfecţiunea ei. Ravel este autorul bine-cunoscutei creaţii pentru orchestra simfonică „Bolero”. Scrisă în 1928, lucrarea este construită în jurul a două teme care se repetă în crescendo. Originalitatea piesei constă în intrarea, rînd pe rînd, a instrumentelor orchestrei în ritmul muzicii.

Sirtaki

Un ritm cu sonorităţi specifi ce caracterizează muzica dansurilor greceşti. Din multitudinea acestor dansuri vom ilustra doar un exemplu tipic pentru dansurile sirtaki:

Tangoul

De peste ocean, din Argentina, vine un dans care s-a bucurat de o mare popularitate în saloanele Europei – tangoul. Caracterul acestui dans fermecător de perechi este determinat de ritmul specifi c sacadat şi melodia atrăgătoare. Ca gen muzical, tangoul există în toate formele posibile de prezentare: instrumentală, vocală, vocalinstrumentală. Mulţi dintre compozitorii secolului al XX-lea au folosit ritmurile şi intonaţiile specifi ce de tangou în creaţii de factură academică.

Valsul

Valsul (din germ. walze „a se roti”) îşi face apariţia în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea ca dans orăşenesc de perechi, cu mişcări relativ vioaie, de învîrtire. Avînd la bază dansuri populare austriece şi germane, capătă o răspîndire largă în toată lumea. Principalele caracteristici ale valsului sînt: măsura de 3 timpi, tempoul potrivit, linia melodică cantabilă şi deosebit de expresivă. Începînd cu secolul al XIX-lea, apare un număr impresionant de valsuri, multe dintre care au devenit celebre. Cei care au adus valsul pe culmile desăvîrşirii, ca gen al muzicii de societate, au fost Johann Strauss (tatăl), Joseph Lanner, Johann Strauss (fi ul), numit „rege” al valsului. Marea popularitate a valsului a făcut ca acest graţios dans să pătrundă în muzica de operă şi de operetă. Ceea ce i-a determinat pe mulţi compozitori să creeze valsuri special pentru diferite instru- 72 mente şi orchestră. Sînt cunoscute pe larg în întreaga lume valsurile pentru pian de Frédéric Chopin, pentru orchestră – de C.M. Weber, J. Brahms, Ch. Gounod, I. Stravinski, A. Haciaturian ş.a. În cultura muzicală românească valsul este prezent în creaţia compozitorilor Iosif Ivanovici, Eugen Doga, Gheorghe Mustea.

Menuetul

Dansurile de salon, numite şi dansuri de societate, sînt practicate cu diverse ocazii festive şi se disting prin mişcări moderate sau vioaie, prin stil de interpretare, forme de salut reciproc etc. Unul dintre dansurile de societate care s-a bucurat de mare succes în saloanele aristocratice a fost menuetul, un vechi dans francez de origine populară. Avînd un caracter ceremonios, cu ritm ternar (de trei timpi) și mișcare moderată, rafi nată și elegantă, devine foarte răspîndit la sfîrșitul secolului al XVII-lea–începutul secolului al XIX-lea. Regele Franţei, Ludovic al XIV-lea, ascultînd o compoziţie în genul menuetului de compozitorul Jean-Baptiste Lully, a rămas profund impresionat de frumuseţea melodiei, de graţia mișcărilor coregrafi ce și a cerut ca acest dans să fi e cît mai des prezentat la curte. 71 Compozitorii J.P. Rameau şi C.W. Gluck au introdus menuetul în spectacolele de operă şi balet, J.S. Bach şi G.F. Händel l-au introdus în suita preclasică, iar J. Haydn şi W.A. Mozart l-au folosit în creaţiile lor simfonice. Un celebru menuet poartă semnătura compozitorului L. van Beethoven.

George Enescu. Rapsodia română nr. 1

Melodiile dansurilor populare constituie o sursă nesecată de inspiraţie pentru compozitori. Un exemplu fericit în acest sens ni-l oferă „Rapsodia română nr. 1” de George Enescu, lucrare simfonică ce reprezintă echivalentul unei petreceri populare de mare amploare şi un simbol al spiritualităţii româneşti.

Sîrba

Sîrba este un joc popular românesc răspîndit în toată ţara. Se dansează în semicerc, participanţii prinzîndu-se cu braţele de umerii vecinului. Mişcarea dansatorilor este variată, caracterizîndu-se prin asamblarea fi gurilor de o mare virtuozitate coregrafi că, cum ar fi bătăile din picioare, săriturile, întorsăturile sincronice. Dansul „Sîrba” deseori este anticipat de o horă-bătută, creîndu-se astfel un contrast al mişcărilor, care împreună sînt percepute ca un tot unitar. Melodia sîrbei se execută în măsura de 2 timpi (2/4), într-un tempou mai accelerat decît hora. Acest dans există în nenumărate variante: „Sîrba fl ăcăilor”, „Sîrba zorilor”, „Sîrba lui Barbu Lăutaru”, „Sîrba din Suceava”, „Sîrba din Mitoc”, „Sîrba de la Costuleni” etc.

Hora

Hora este un dans popular românesc, cu ritm binar şi cu mişcări moderate, în care jucătorii se prind de mînă sau de umeri, formînd un cerc închis. Cîntecul „Ţară de soare”, de exemplu, are o melodie lentă, scrisă în măsură de 6/8 şi se dansează în cerc larg.

Muzica dansurilor propriu-zise (neritualice)

Dansurile populare îşi au originea în bogatele obiceiuri şi tradiţii ale neamului nostru şi s-au încetăţenit în forme artistice originale. Cele mai răspîndite dansuri populare pe întregul spaţiu cultural românesc sînt hora şi sîrba. Melodiile dansurilor se practică cu cele mai diferite prilejuri, clasifi cînduse în melodii cu subiect („Coasa”, „Poama”, „Iţele” „Ilenuţa”, „Busuiocul”) şi melodii de dans fără subiect („Hora”, „Sîrba”, „Moldoveneasca” etc.).

Dansurile nupţiale

Nunta la români reprezintă o manifestare spectaculoasă, de mare amploare, în care obiceiurile tradiţionale sînt nedespărţite de cîntece şi jocuri caracteristice. Pentru fi ecare episod al ritualului nupţial, poporul a creat melodii şi dansuri de o frumuseţe rară. Dintre acestea, o semnifi caţie deosebită o au: „Joc mare şi cîntecul miresei”, „De trei ori în jurul mesei”, „Hora miresei”, „Hora mare”, „Jocul zestrei”, „Jocul vorniceilor”, „Hora nunilor”, „Sîrba nunţii”, „Colacul”, „Jocul găinii”, „Închinatul paharului”, „Hora la masa mare”, „Vivatul”, „Jocul paharelor” etc.

Căluşarii

Neîntrecutul joc al căluşarilor, ca şi străbuna horă, constituie cea mai veche manifestare de spectacol la români. Jocul variază de la o zonă la alta. Fiecare ţinut ori sat l-a păstrat pînă în prezent într-o formă individualizată. Jocul căluşarilor se caracterizează prin mişcări specifi ce, prin sărituri şi salturi acrobatice, însoţite de strigături, zise cu mult drag şi iscusinţă de dansatori.

Theodor Rogalski. Paparudele

Drăgaica Drăgaica este o sărbătoare populară, făcînd parte din străvechiul obicei agrar. Dimitrie Cantemir îl descrie astfel: „...Cînd încep să se coacă semănăturile, toate fetele ţăranilor din satele învecinate se adună și o aleg pe cea mai frumoasă dintre ele, căreia îi dau numele de Drăgaica. O petrec pe ogoare cu mare alai, o gătesc cu o cunună împletită din spice și cu multe basmale colorate, și-i pun în mîini cheile de la jitniţă (hambare). Drăgaica, împodobită în acest chip, se întoarce de la cîmp cu mîinile întinse și cu basmale fl uturînd în vînt, de parcă ar zbura, și cutreieră toate satele din care s-a adunat s-o petreacă, cîntînd și jucînd laolaltă cu toate tovarășele ei de joc, care o numesc foarte des sora și mai marea lor în cîntece alcătuite cu destulă iscusinţă” („Descrierea Moldovei”). Cuvîntul „drăgaică” este de origine bulgară şi înseamnă drăguţă, scumpă. „Sînzienele” este un cuvînt de origine romană şi are aceeaşi semnifi caţie. Dansul Theodor Rogalski. Paparudele Deşi e de o frumuseţe exotică, arhaică, astăzi dansul paparudelor aproape că nu se practică cu scopul invocării ploii şi nu-l putem admira decît în cadrul concertelor. Semnifi caţia dansului de ritual „Paparudele” a atras atenţia compozitorului român Th eodor Rogalski, care, fi ind inspirat de melodia populară, a compus o lucrare orchestrală cu aceeaşi denumire. Varianta orchestrală diferă de cea vocală atît prin forma de prezentare, cît şi prin mesaj. Compozitorul utilizează forme tradiţionale de exprimare într-un limbaj muzical cu specifi c naţional. 1. Audiază lucrarea „Paparudele” de compozitorul Th. Rogalski. 2. Caracterizează mijloacele muzicale utilizate de compozitor pentru redarea mesajului sonor (ritmul, nuanţele dinamice, registrul, timbrul instrumentelor). Poemul coregrafi c „Drăgaica”. Ansamblul Naţional de Dansuri Populare „Joc” 61 Și-au ve - nit dră - gai - ce - le, Și-au ve - nit dră - gai - ce - le, Să re - te - ze spi - ce - le, Să re - te - ze spi - ce - le. Drăgaicelor ori al Sînzienelor, cum li se mai zice în unele sate, are un stil arhaic şi se practică în ziua de 24 iunie. Intonînd cîntece, Drăgaica, cu paşi uşori, uneori săltăreţi, se rotea de trei ori, reda anumite treceri şi fi guri, evocînd belşugul. Textele literare ale cîntecelor au nuanţă străveche şi sînt construite în ritm binar (de doi timpi). Mişcările se accelerează pe parcurs şi sînt însoţite de chiote puternice ce proslăvesc rodul bogat al cîmpului şi puterea magică a Drăgaicei de a preveni şi tămădui bolile. Unul dintre neobosiţii promotori ai artei populare din Republica Moldova este maestrul Vladimir Curbet, conducătorul Ansamblului Naţional de Dansuri Populare „Joc”. Marele artist a ştiut să promoveze şi să valorifi ce datinile, credinţele, obiceiurile, tradiţiile, muzica şi, bineînţeles, dansul popular, căruia i-a consacrat întreaga viaţă. Dansurile Ansamblului „Joc” denotă o înaltă măiestrie interpretativă, o ireproşabilă ţinută scenică şi eleganţă.

Paparudele

Melodiile dansurilor fi e că sînt, fi e că nu sînt însoţite de texte. În funcţie de specifi cul dansului, melodiile de joc se clasifi că în: dansuri ritualice şi dansuri neritualice. Dansurile (jocurile) ritualice sînt legate de obiceiurile calendaristice („Capra”, „Căluţul”, „Ursul”, „Paparudele”, „Căluşarii” etc.) sau sînt legate de obiceiurile de familie (mai ales dansurile nupţiale – „Dansul miresei”, „Zestrea”, „Jocul mare”, „Dansul nunilor” etc.). „Paparudele” reprezintă un ritual străvechi, practicat în perioadele de secetă ale verii. Este jucat, mai ales, de fete. Melodia şi dansul paparudelor au menirea să cheme ploaia. „Paparuda” poartă şi alte denumiri locale: paparugă, păpărugă, papalugă, păpălugă, păpăruie, băbăruţă, mămăruţă, dodoloaie etc. Acest obicei agrar este răspîndit la mai multe popoare. Iată cum caracterizează „Paparudele” Dimitrie Cantemir în lucrarea „Descrierea Moldovei”: „În vremea verii, cînd semănăturile sînt primejduite de secetă, oamenii de la ţară îmbracă o copilă mai mică, de vreo zece ani, cu o cămaşă făcută din frunze de copaci şi buruiene. Celelalte copile şi copii de aceeaşi vîrstă o urmează şi se duc cîntînd şi jucînd prin împrejurimi; iar oriunde sosesc, babele au obicei să le toarne apă rece pe cap. Cîntecul pe care-l cîntă este cam aşa: «Păpălugă! Suie-te la cer, deschide-i porţile, trimite de acolo ploaia aici, ca să crească bine secara, grîul, meiul şi altele»”.

Arta muzicii şi arta coregrafi că

Arta coregrafi că (a dansului) și arta muzicii au o istorie milenară comună. Coregrafi a este un gen al artei ce se caracterizează prin mișcări variate și ritmice ale corpului omenesc, executate după muzică, exprimînd senzaţii, impulsuri și sentimente. Se deosebesc mai multe tipuri de dansuri: ritualic, popular, de salon sau de societate, clasic și de caracter. În Antichitate, dansul și muzica erau dominate de caracterul lor magic. Muzica străveche a luat naștere însoţind dansurile ritualice, care erau practicate pentru a îmbuna forţele naturii, în faţa cărora oamenii se simţeau neputincioși. Primele mărturii despre existenţa unei legături dintre muzică și dans le-au descoperit arheologii. Pe pereţii peșterilor, unde se adăposteau oamenii primitivi, au fost descoperite desene simple ce reprezintă fi guri de oameni sau animale dansînd. Cu mult înainte de a învăţa să-și dureze locuinţe, strămoșii noștri au simţit nevoia de a-și exprima stările sufl etești improvizînd diferite ritmuri și intonînd melodii. Majoritatea popoarelor lumii păstrează pînă în zilele noastre dansurile de ritual cu acompaniament muzical caracteristic. Deși semnifi caţia lor practică de mult a fost dată uitării, elementele lor specifi ce le regăsim în multe lucrări artistice contemporane. Din trecutul istoric îndepărtat îşi trag rădăcinile şi inegalabilele dansuri populare româneşti cu melodiile lor pline de farmec. Dintre acestea, faimosul joc al „Căluşarilor”, „Drăgaicele”, „Paparudele”, „Caloianul”, nemuritoarea noastră „Horă” sînt păstrate cu mare grijă de popor şi valorifi cate de marii maeştri ai artei populare. Melodiile înfl ăcărate ale dansurilor populare de joc răsună în sălile de concert, la radio şi televiziune, în executarea formaţiilor profesioniste şi de amatori; ele sînt interpretate la sărbători tradiţionale, la hora satului etc. Terpsihora – muza dansului şi a muzicii la grecii antici Vas de ceramică străvechi intitulat Hora de la Frumuşica 55 Fiecare popor îşi are tradiţiile sale muzical-coregrafi ce. Cele mai originale melodii populare de dans au trecut hotarele naţionale, devenind valori culturale universale. Ritmurile şi intonaţiile inedite ale muzicii de dans au atras dintotdeauna atenţia marilor muzicieni de pretutindeni. Nu există vreun compozitor în lume să nu le fi abordat, creîndu-şi propriile opere: fi e că sînt piese instrumentale de mici proporţii, fi e că e muzică de operă, simfonică sau de balet. 2. Audiază 2 fragmente diferite ale muzicii de dans şi determină caracterul lor (o horă sau o sîrbă, un vals sau o polcă). 3. Interpretează la alegere un cîntec-dans cunoscut. Alcătuieşte variante de acompaniament ritmic. 4. Execută ritmul melodiilor ce urmează prin bătăi uşoare din palme. 1. Citeşte fragmentul de mai jos şi în baza lui demonstrează existenţa legăturii strînse dintre arta muzicii şi arta dansului. „Hora este adevăratul dans roman, chorus, şi se joacă în România cu aceeaşi rînduială coregrafi că precum se văd săpate în marmurile antice horele vechilor romani! Flăcăii şi fetele, bărbaţii şi nevestele dintr-un sat, sau din mai multe sate adunate într-o zi de sărbătoare, se prind cu toţii de mîini şi fac un cerc larg, care se învîrteşte încet din stînga în dreapta şi din dreapta în stînga pe măsura cîntecului. Aceasta este hora! joc simplu şi patriarhal! simbol al unirii tuturor într-o singură familie!(...) Înlăuntrul cercului stau lăutarii, care umblă necontenit pe lîngă danţaşi, improvizînd strofe şăgalnice pentru fete şi vesele pentru fl ăcăi. (...) Lăutarul este geniul însufl eţitor al horei.” (Vasile Alecsandri, Românii şi poezia lor)